Galerie Paul Facchetti, Paris

Collection particulière, Paris

Oil on canvas; signed and dated lower right, signed again, dated and titled on the reverse; 35 x 45 ⅝ in.

Joseph Sima a développé une peinture de la lumière et de la vibration qui lui vaut d’être considéré comme une figure emblématique de l’abstraction poétique, ayant su transcender les frontières entre art, philosophie et spiritualité. Ses œuvres ne relèvent pas d’une abstraction pure : elles sont conçues comme des passages vers un autre niveau de perception. En 1962, un critique souligne leur dimension méditative, les décrivant comme des « fenêtres ouvertes sur l’infini ». L’art de Sima se distingue par une recherche artistique à dimension métaphysique, centré sur la lumière, l’espace et l’abstraction, établissant un lien entre le visible et l'invisible, la matérialité du corps et l’intériorité émotionnelle.

D’origine tchèque, Josef Šíma est, dès l’enfance, confronté à l’art, grâce à son père, professeur de dessin. Il se forme ensuite à l’Académie des Beaux‑Arts de Prague, dans l’atelier du peintre symboliste Jan Preisler qui lui fait découvrir les avant‑gardes européennes et le travail de Cézanne, qui conservera sur lui une influence durable. Sa participation au groupe artistique tchèque Devětsil, l’amènera à s’installer à Paris en 1921, où il se fait naturalisé en 1926, transformant son nom en « Joseph Sima ». Il fréquente alors le milieu surréaliste, se liant avec André Breton, Tristan Tzara et Paul Éluard. En 1928, il cofonde le groupe et la revue Le Grand Jeu, qui défend une vision onirique de l’art, nourrie de couleur et de lumière. Il se passionne également pour la mythologie, qu’il abordera dans de nombreuses œuvres, et pour les paysages insolites d’Hercules Seghers, un graveur hollandais du XVIIème siècle.

Pendant la Seconde Guerre Mondiale, l’artiste cesse de peindre. Après les bouleversements de la guerre et les tensions de l’après-guerre, les années 1950 offrent à Sima un environnement propice à une introspection artistique. Il renoue alors avec la peinture, composant des paysages épurés proches de l’abstraction.

L’œuvre de Joseph Sima s’organise en deux périodes bien distinctes : la première -celle de ses débuts- pendant laquelle l’artiste est ancré dans la figuration, dévoilant les zones d’ombre de la nature humaine, et la seconde - qui commence après-guerre-, pendant laquelle l’artiste se tourne vers une abstraction aérienne, où la lumière devient l’élément structurant de son travail. Durant cette période, les œuvres de Sima atteignent une grande simplicité formelle, tout en restant profondément riches en symbolisme et en émotion. L’artiste considère la nature, comme une source inépuisable d’inspiration et de réflexion.

Le 10 septembre 1959, Sima exprime, dans une lettre adressée à un ami praguois, son intuition poétique… ou la lumière comme ultime quête artistique : « Le sujet de ma peinture est l’unité de toutes choses. Et l’unité de toutes choses est l’unité de la matière, dont la manifestation la plus subtile est la lumière, non en tant que fluide mystérieux illuminant les objets, mais force créant leur existence… La lumière est vibration, et je suis tenté de dire que si une matière quelconque se mettait à vibrer à la vitesse de la lumière, elle deviendrait lumière ou rayonnement, tout comme, en d’autres circonstances, elle se mettrait à résonner ».

Cette même année, l’artiste commence une nouvelle série où la lumière n’est plus traitée comme un simple effet esthétique, mais devient le véritable sujet de l’œuvre. Dans En mouvement, la lumière se matérialise sous forme d’un rectangle vertical blanc, à droite de la composition, à l’intérieur duquel apparaît une sorte de colonne ombrée. Une lueur diffuse semble venir de l’intérieur de la toile et la lumière jaillir de cet espace clair, créant un effet hypnotique et évoquant une dimension presque spirituelle. De part et d’autre, la lumière semble également se cristalliser en structures transparentes et ramifiées, ponctuées de touches vertes. Cette solidification imaginaire de la lumière s’inscrit dans l’univers mythique de Sima, proche des croyances et rituels de certains peuples primitifs : en Australie ou en Océanie, le cristal ou le quartz est en effet perçu comme une “pierre‑lumière” sacrée, fragment tombé du ciel et doté de pouvoirs magiques. Ces formes fragmentées rompent avec la perspective traditionnelle et brouillent les repères spatio‑temporels. Sima construit ainsi un paysage fantasmagorique où toute notion d’échelle et de distance n’existent plus.

L’artiste met également au point une technique unique de glacis : de très fines couches de peinture superposées qui laissent affleurer les couleurs sous‑jacentes, créant profondeur et vibration lumineuse. Ce jeu raffiné de transparences donne l’impression d’un espace en perpétuelle mutation. Cette technique devient centrale dans son approche mystique de la lumière. La composition est dominée par une variation de tons chauds -blancs nacrés, verts sapins, ocres délicats- qui confère à l’ensemble une sensation de flottement et instaure un véritable dialogue avec la lumière. Les couleurs se fondent dans une atmosphère évanescente, évoquant l’infini.

Tel un paysage mental dématérialisé, Sima ne cherche plus à représenter le monde visible, mais à en traduire l’essence, l’harmonie universelle, à travers une alchimie subtile de lumière, de couleurs douces, de contrastes et de formes fluides.

Joseph Sima développe dans cette œuvre remarquable, provenant de la Galerie Paul Facchetti, une abstraction poétique qui transforme la matière en énergie. Comme l’artiste l’affirme lui‑même : « Le rôle de l’artiste ou du peintre n’est pas de connaître le monde. Il y est intimement lié, il s’y identifie et celui-ci éclaire son œuvre de ce qu’il a si bien vu ». L’œuvre En mouvement incarne toute la quintessence de cette recherche spirituelle et contemplative, et s’adresse davantage à nos sens et à nos émotions qu’à notre entendement.

Joseph Sima developed a painting of light and vibration that has led him to be regarded as a key figure of poetic abstraction, successfully transcending the boundaries between art, philosophy and spirituality. His works do not belong to pure abstraction; rather, they are conceived as passages toward another level of perception. In 1962, a critic emphasized their meditative dimension, describing them as “windows open onto infinity”. Sima’s art is distinguished by a metaphysical approach centred on light, space and abstraction, establishing a connection between the visible and the invisible, the materiality of the body and emotional interiority.

Of Czech origin, Josef Šíma was exposed to art from an early age through his father, a drawing teacher. He later trained at the Academy of Fine Arts in Prague, in the studio of the Symbolist painter Jan Preisler, who introduced him to the European avant-gardes and the work of Paul Cézanne, which would have a lasting influence on him. His participation in the Czech artistic group Devětsil led him to settle in Paris in 1921, where he became naturalized in 1926, adopting the name “Joseph Sima”. He then moved within Surrealist circles, forming connections with André Breton, Tristan Tzara and Paul Éluard. In 1928, he co-founded the group and journal Le Grand Jeu, which promoted a dreamlike vision of art nourished by colour and light. He also developed a strong interest in mythology, which he explored in many works, as well as in the unusual landscapes of Hercules Seghers, a 17th-century Dutch printmaker.

During World War II, the artist stopped painting. After the upheavals of the war and postwar tensions, the 1950s offered Sima an environment conducive to artistic introspection. He then returned to painting, creating purified landscapes approaching abstraction.

Joseph Sima’s work is organized into two distinct periods: the first -his early years- during which he remained rooted in figuration, revealing the darker aspects of human nature; and the second -beginning after the war- when he turned toward an airy abstraction in which light became the structuring element of his work. During this period, Sima’s works achieved great formal simplicity while remaining deeply rich in symbolism and emotion. He regarded nature as an inexhaustible source of inspiration and reflection.

On September 10, 1959, Sima expressed in a letter to a friend in Prague his poetic intuition…or light as the ultimate artistic quest: “The subject of my painting is the unity of all things. And the unity of all things is the unity of matter, whose most subtle manifestation is light, not as a mysterious fluid illuminating objects, but as a force creating their existence… Light is vibration, and I am tempted to say that if any substance were to vibrate at the speed of light, it would become light or radiation, just as, under other circumstances, it might begin to resonate”.

That same year, the artist began a new series in which light was no longer treated as a simple aesthetic effect but became the true subject of the work. In En mouvement, light materializes in the form of a vertical white rectangle on the right side of the composition, within which appears a kind of shadowy column. A diffuse glow seems to emanate from within the canvas, with light bursting forth from this luminous space, creating a hypnotic effect and evoking an almost spiritual dimension. On either side, light also appears to crystallize into transparent, branching structures punctuated with touches of green. This imagined solidification of light belongs to Sima’s mythic universe, akin to the beliefs and rituals of certain so-called primitive cultures: in Australia or Oceania, crystal or quartz is perceived as a sacred “light stone”, a fragment fallen from the sky and endowed with magical powers. These fragmented forms break with traditional perspective and blur spatial and temporal reference points. Sima thus constructs a phantasmagorical landscape in which all notions of scale and distance dissolve.

The artist also developed a unique glazing technique: very thin superimposed layers of paint that allow underlying colours to emerge, creating depth and luminous vibration. This refined play of transparency gives the impression of a space in perpetual transformation and becomes central to his mystical approach to light.

The composition is dominated by variations of warm tones -pearly whites, deep greens, delicate ochres- creating a sense of suspension and establishing a true dialogue with light. Colours merge into an evanescent atmosphere, evoking infinity.

Like a dematerialized mental landscape, Sima no longer sought to represent the visible world but to convey its essence, its universal harmony, through a subtle alchemy of light, soft colours, contrasts and fluid forms.

In this remarkable work, originating from the Galerie Paul Facchetti, Joseph Sima develops a poetic abstraction that transforms matter into energy. As the artist himself stated: “The role of the artist or painter is not to know the world. He is intimately linked to it, identifies with it, and it illuminates his work with what he has so clearly seen”. The work En mouvement embodies the very quintessence of this spiritual and contemplative pursuit, addressing our senses and emotions more than our intellect.